1. A lo Haneke. Después de Lucía (2012)

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    Esta película formó parte del Festival de Cine Latinoamericano hace un tiempo atrás en Caracas. Cuando leí la reseña no me llamó mucho la atención. Sin embargo, al ser la ganadora de la competencia “Un cierta mirada” en el Festival de Cannes y al ser objeto de una gran cantidad de  halagos de parte de los distintos comentaristas del festival, no pude evitar tener la tentación de buscarla.

    Es una gran película y no cabe duda de por qué se ganó sus aplausos en Cannes. Tiene un estilo muy Haneke, con cámaras estáticas y distantes que hacen que la tensión se incremente desde el mismo momento en que la película da inicio. Posee guiños con “La cinta blanca” y un final a lo “Funny Games”. Se acerca a la primera en cuanto al tema de la inocencia perdida mientras su diferencia recae en lo explicito de la violencia, lo que la acerca a la segunda.

    Uno de los elementos más llamativos es ver como en muchas escenas aparentemente no ocurre nada, cuando en realidad mil cosas les ocurren a los personajes. Esa abrumarte sensación de desesperación silente es el gran éxito de este film mexicano.

    Un retrato cruel de la juventud y de la violencia de la que es capaz. Una tragedia de principio a fin. Una gran sorpresa, sencilla y sin pretensiones, para el cine latinoamericano. Buen trabajo Michel Franco y Tessa Ia.

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    Nota: La pueden ver por Youtube

     

  2. elplacerde:

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    Nymphomaniac’, la nueva película de Lars Von Trier no ha sido seleccionada para participar en la próxima edición del Festival de Cannes. Tras presentar ‘Melancolía’, hace dos años, el Festival lo declaró persona non grata, por unas polémicas declaraciones sobre el nazismo, que dejaron a…

    Von Trier nos tiene acostumbrados a trilogías (dos siguen inconclusas, pero son, supuestamente, trilogías) así que con Nymphomaniac podríamos hablar de una “trilogía Gainsbourg”.

    Esta película, de la que sabemos poco pero intuimos mucho, es el tercer trabajo que Charlotte hace con este director.

    En el Anticristo nos mostraron el más irracional y descontrolado dolor que se pueda ver en pantalla, rayando en el exceso del sadismo. Todo enmarcado en un ambiente críptico del que sólo el director conoce las claves (en mi opinión).

    En Melancolía, al principio el drama viene del personaje de Kirsten Dunst. Inconforme, asqueada de su entorno, deprimida. En la segunda parte la cosa se complica un poco porque a lo anterior se le suma un planeta se les viene encima, literalmente. La película es un bodrio. Muy bello eso sí, pero un bodrio.

    ¿Qué las vincula y al mismo tiempo las diferencia de trabajos anteriores de Von Trier? pues que en ambas el dolor de los personajes ya no es causado desde el exterior. Viene de lo más profundo y es autoinfringido. En Nymphomaniac tengo la sospecha (¿por qué será?) que la vaina va por el mismo camino. Una ninfómana, el sexo, el dolor, la culpa… a mí me suena a Anticristo…

    Como me gustaban tus melodramas (Dancer In The Dark, Breacking the Waves, Dogville). Como me gustaba la falta de efectos especiales en tus películas… En fin, hay que verla y esperar lo mejor…

     

  3. Cada pecado tiene un precio. Anna Karenina (2012)

    “Cada pecado tiene un precio” es la frase que marca la historia de Anna Karenina desde los primeros 5 minutos de iniciada la película. Es la frase que condenará al personaje de Keira Knightley si decide ceder a los encantos de Aaron Johnson, quien por cierto resulta más atractivo con sus cabellos negros que con ese falso platino, pero en general es la frase que condena al film completo.

    Aquí el pecado del director Joe Wright es el exceso y la opulencia. El film parece estar hecho con el único fin de mostrarnos unos bellos decorados, un bello vestuario y una dirección de producción (o arte) que, sin duda alguna, es de las más bellas que hayamos visto en el cine en mucho tiempo. Sin embargo, ya que aparentemente ese es su objetivo, el resultado es un cascaron vacio, sin alma, un huevo Fabergé sin nada dentro.

     Los actores son cascarones sin pasión. Keira Knightley se repite a sí misma mientras Aaron Johnson es un maniquí rígido, una especie de Sheldon Cooper sin ingenio. Salvo los casos de Jude Law, quien deja los papeles de seductor a los que nos tiene acostumbrado y nos da a un hombre distante, sereno y triste con ciertos momentos de fragilidad, y Domhnall Gleeson, quien  conmueve con sus tímidas miradas, creo que el resto del elenco son marionetas en movimiento.

    Esperemos que en cuanto a dirección de arte y vestuario se lleve los premios que correspondan porque así el sacrificio no habrá sido en vano.

    Por último, es gracioso que el film desde el inicio (muy a lo Moulin Rouge, salvando las distancias) parezca un musical en el que avanzamos y nunca nos topamos con una canción que, creo, le habría dado mayor sentido a las exageradas coreografías del film que marcan hasta la única escena de “pasión” convirtiéndola en un orgasmos, a todas luces, fingido.

     
  4. It Gets Better (2011) Tanwarin Sukkhapisit

    Nota para recordar buscarla cuando aparezca en las páginas de torrents…

     
     

  5. El ocio, la madre de todos los males. Savage Grace (2009)

    La historia de la relación entre Barbara Daly y su hijo Antpny Baekland es una de las más extrañas que haya visto, sobre todo si pienso en el hecho de que a diferencia de La pianista de Michael Hanneke, a la que hago referencia por lo extraña e incomoda que me pareció, esta historia puede que tenga más verdades que ficciones.

    Barbara Daly (Julianne Moore) se casó con Broock Baekland (Stephen Dillane), heredero de los inventores de la bakelita, con lo que pasó a moverse en los más exclusivos círculos sociales del mundo. No obstante, no le quitemos meritos. Su éxito social no sólo fue debido a al dinero de su esposo sino aparentemente también a su provocador y descarado encanto. Podríamos decir que era toda una socialite (palabra que parece estar de moda, desde el último Miss Venezuela). De su unión, o mejor, producto de la tensión entre ellos nació Antony (Eddie Redmayne), un joven homosexual, inseguro de sí por el rechazo de su padre y por las expectativas de una madre sobreprotectora y exigente de la que se volverá dependiente a niveles que al inicio del film ni imaginamos.  

    Como espectadores veremos la tragedia de una familia que sin un talento real más allá de su propio encanto, decaen trágicamente de lo más alto consumidos por el ocio, por sus inseguridades, por sus excesos y tal vez por creer, de forma inconsciente, que el dinero los eximiría de vivir con las  consecuencias de sus errores.

    Ataviados siempre en sus mejores galas, los personajes de esta historia, sobre todo el de Julianne, tratan de ocultar la putrefacción que los consume, tratan de hacernos menos incomoda, y hasta menos perturbarte, su historia a través de amplias sonrisas y gestos sensualmente encantadores que hacen de ella la gran anfitriona de este espectáculo de refinado estilismo. Puro artilugio.

    Las actuaciones son el principal soporte de este film que al finalizar queda en nuestras mentes dando vueltas por el morbo que genera su historia. Cuando la realidad supera la ficción.

     

  6. Adios al Mundo de los Sentidos. Perfect Sense (2011)

    Al verla no pude evitar la asociación con Ceguera (2009) de Fernando Meirelles basada en el libro de Saramago, debido el tema de la epidemia que te hace perder los sentidos. La gran diferencia es que aquí la enfermedad no es necesariamente una escusa para decirnos que la humanidad es una mierda, que somos terriblemente egoístas, miserables, aprovechados, etc. (nada que no sepamos Saramago), sino que con un punto de vista más esperanzador (por lo menos en cuanto al lente con el que se mira a la humanidad) se nos repite constantemente, en la voz en off de Eva Green, que: la humanidad sigue la vida, se prepara para lo peor pero espera lo mejor, etc.

    ¿Una película apocalíptica? Sí, podría clasificarse con ese término. La diferencia entre ésta y las películas clasificadas así es que nadie muere, por lo menos no en el sentido estricto de la palabra. Se plantea mas bien la idea de que la muerte no es lo peor que puede pasar. La perdida de los sentidos en el film es la llegada de la soledad, del abrumador aislamiento dentro de tu propio ser, la separación con respecto al otro y la desaparición de un mundo que construimos para el goce de los sentidos.

    ¿Una historia romántica? Claro, hay una historia de amor. ¿Intrascendente? Sí, pero esta ahí.

    No esta mal para pasar el tiempo, además, a Ewan McGregor y a Eva Green siempre es bueno verlos.

    Nota: Es gracioso el supuesto de lo que haría un restaurante si el mundo perdiese el sentido del gusto: vendernos colores, formas, texturas, crujidos, etc. ¡Pura creatividad!

     

  7. Mucho Gold Filled, La Maldición de la Flor Dorada (2006)

    Avila TV estuvo pegado con el cine asiático esta semana (y de esa semana ya han pasado muchos meses), comenzaron con Tokyo Godfathers de Satoshi Kon, siguieron con Happy Together de Wong Kar Wai, y ayer pasaron la Maldición de la Flor Dorada de Zhang Yimou.

    Es la tercera película que veo de este director; la primera fue Héroe y la segunda La Casa de las Dagas Voladoras. La Maldición de la Flor Dorada es visualmente espectacular; los decorados, los detalles en el vestuario, en fin, toda la dirección de arte es grandiosa, casi monumental, pero tanta ostentación abruma la vista y la cansa.

    No puedo evitar que tanta pomposidad me recuerde al cine que se hizo en los años de oro de Hollywood, cuando vieron luz súper producciones como The Ten Commandments de Cecil B. De Mille’s, o Cleopatra de Joseph L. Mankiewicz.

    La historia es todo un culebrón muy vistoso: un esposo (el emperador) trata de envenenar a su esposa (la emperatriz) por haber tenido un romance con su hijastro (el príncipe heredero). Como la esposa sabe que esta siendo envenenada por su marido le pide a su hijo (el segundo príncipe en la línea de sucesión) que comande un ejercito que ella prepara para derrocar a su marido. Entre traiciones, amantes, intrigas, hermanas pérdidas y, por supuesto, escenas de batallas espectaculares se desarrolla este culebrón, ups perdón, quise decir tragedia china.

    Menos poética y estilizada que la maravillosa Héroe, este film pierde su encanto entre tanto dorado y efectos por computadora que sustituyen los tradicionales efectos logrados por arneses y cables tan propios del cine chino. En definitiva no es lo mismo.

     

  8. Alicia: -Leo, bonita, olvidas que nuestra colección se llama “Amor Verdadero”. Cómo se te ocurre venirnos con la historia de una madre que descubre que su hija a matado al padre después de que éste intentara violarla… y que para que nadie se entere, la madre lo inverna en la cámara frigorífica del restaurante de un vecino.

    Leo: -No es fácil desembarazarse  de un cadáver y lo importante para la madre es salvar a la hija. ¿No harías tu cualquier cosa para salvar a tu hijo?

    Alicia: -No estamos hablando de hijos sino de novelas. Los hijos sólo sirven para quitarnos la vida, las novelas para recuperar la ilusión de vivir. Cuando alguien compra un libro nuestro quiere olvidarse de la sordidez en la que vive, soñar con un mundo mejor aunque sea mentira. ¿Café?

    Leo: - No, gracias.

    Alicia: -Quién va a soñar con una gente que vive en un barrio miserable, jubilados prematuros, auténticos muertos vivientes. Quién se va a identificar con una protagonista que se ocupa de limpiarle la mierda a los enfermos de un hospital. Qué por si fuera poco tiene una suegra Yonki y un hijo maricón, al que además le gustan los negro. ¿Te has vuelto loca Leo?

    Leo: -Tal vez, pero la realidad es así Alicia.

    Alicia: -¡La realidad! Bastante realidad tenemos cada una en nuestra casa. La realidad es para los periódicos y la televisión, y mira el resultado. Por culpa de tanta realidad el país está apunto de explotar ¡La realidad debería esta prohibida¡

    La Flor de mi Secreto (1995) Pedro Almodóvar

     

  9. Ann: Léeme algo… Léeme algo de lo que estés leyendo ahora.

    Lee: Ahora estoy leyendo un libro muy triste. Precioso, pero triste.

    Ann: No puede ser más triste que la historia que he oído hoy.

    Lee: Cuéntamela.

    Ann: No puedo, me pondría demasiado triste.

    Lee: No quieres contarla porque es parte de tu vida… No quieres que sepa nada de tu vida.

    Ann: Me gusta que no preguntes nada de mi vida.

    Lee: No pregunto nada porque he aprendido a no hacerlo. Cuando miras a alguien, ves… el 50% de lo que es. Querer saber la otra mitad es lo que destruye todo. Es lo que he aprendido.

    Ann: ¿Quien se llevó los muebles te enseñó eso?

    Lee: Sí, es lo único que me dejó. 

    “My life without me” es una película que me gusta mucho aunque no haya hablado de ella antes en el blog. Cuenta con un buen texto, una cámara y dirección (Isabel Coixet) totalmente íntimas -tanto que te hacen sentir dentro del remolque donde vive la protagonista-, personajes adorables y personajes que nos muestran que la vida se nos puede ir en cosas intrascendentes, ejemplo: la peluquera, la loca de las dietas, etc.

    La historia es conmovedora y particularmente creo que puede hacer llorar a más de uno, aunque conmigo no lo logre. Es adorable, ese el adjetivo para este film.

    De todos los personajes el que más me “gusta”, en el sentido romántico de la palabra, es el de Marck Ruffalo. Lee es tan inseguro, dulce, tímido, es ese tipo de personaje que parece sentir con tal intensidad que su corazón podría sangrar, es de los que esperan con ansia y nerviosismo que los otros reaccionen igual que ellos. Amo su escena en la lavandería, la del carro, la del dialogo que cito arriba, la última, cuando le dice a Ann que esta “clásicamente enamorado” de ella… en fin, creo que mencioné todas las escena donde él aparece… Bueno la gripe me pone romántico qué puedo decir…

    PD: otro aspecto destacable es el manejo por parte de la directora de las dos pequeñas que hace de hijas de Ann y no se me puede olvidar mencionar la selección musical que es… no sé que es, sólo sé que me gusta.

    My life without me (2003) Isabel Coixet.

     

  10. Anna: -Antes me encantaban los hoteles. Pero ahora siempre estoy en un departamento nuevo o en algún hotel

    Oliver: -¿Cómo te mantienes en contacto con tus amigos o con tus novios?

    Anna: -Es más fácil terminar sola. Dejar a la gente.

    Oliver: -Puedes quedarte siempre en el mismo sitio y aún así dejar a la gente.

    Anna: -¿Eres así? ¿Eso haces?

    Oliver: (asiente con la cabeza)

    Anna: -Entonces, somos iguales…

    Oliver: -Creo que sí…

    Beginners (2011) Mike Mills

     

  11. Siempre lo sospechamos, el Capitán Von Trapp era gay. Beginners (2011)

    Yo no sé qué sienta María, pero es terrible que nos hayan engañado durante tantos años; cómo Christopher Plummer nos va a salir con que es gay después de tanto, después de 7 hijos, ¡después de haber escapado de los nazis por los Alpes Suizos!

    Superado este ataque histérico, nos alegra que Plummer se haya llevado su muy merecido Oscar como mejor actor de reparto por esta buena película.

    A Mike Mills, director y escritor del film, lo conozco, sin saberlo, desde su película Thumbsucker (2005) y luego del documental Beautifull Loser (2008), que no ha dejado de recomendar mitercermundo desde hace un buen tiempo. La película, prácticamente autobiográfica,  habla de cómo las relaciones con nuestros padres marcan nuestras relaciones con otros, de que nunca dejamos de ser principiantes en cada relación que iniciamos y que es mejor ser principiante que preferir rendirse ante el miedo a que no funcione.

    Contada a través de flashbacks nos paseamos con saltos desordenados entre la infancia de Oliver, Ewan McGregor, los últimos años de vida de su padre, Plummer, tras confesarle que es gay, todo mientras inicia una relación con Anna, Mélanie Laurent, una actriz tan disfuncional como él.

    Lo bueno: el hecho de que Arthur, el perro, tenga diálogos con Oliver; “The History of sadness”, genial reflexión sobre las apariencias y la tristeza, casi una obra para un museo; el montaje, la película no sería lo mismo si no viéramos a Christopher Plummer diciéndonos, con diferentes atuendos, que es gay; El hecho de que todos los actores se luzcan en la película; y el “Theme Suit” que nos recuerda un poco a la música de Tiersen para Amelie

    Verla es indispensable… ¿será que esperamos al león o nos conformamos con la jirafa?

     

  12. La saga de Lisbeth inicia. The girl with the dragon tattoo (2011)

    ¿Esperada? Pues sí. Por estos lados leímos el libro aproximadamente en tres días (sinónimo de desempleo), no hemos visto la versión sueca pero desde hace un buen rato que le estamos haciendo seguimiento a la versión hollywoodense.

    Debo admitir que el hecho de haber leído el libro le quita emoción a la película y, por tanto, me resultó un poco fastidiosa. No obstante, es una muy buena adaptación.

    El casting está muy bien. La selección de Rooney Mara para el papel de Lisbeth Salander es acertadísima. El físico de esta chica se ajusta con la descripción que da Larsson del personaje en su libro (obvio, con los ajustes de maquillaje necesarios) a diferencia de la actriz sueca quien dista un poco de la imagen que me había formado de él. Su actuación es convincente y en cierto sentido humaniza un personaje que en mi mente era casi un robot.


    En cuanto a la historia, los cambios son justos y hacen de un enredo de nombres algo mucho más sencillo de digerir. Al igual que el libro se va hilando fino y hay que estar muy pendiente de los detalles y las pistas así sean falsas (sí, igual que en el libro tratan de engañarnos).

    En cuanto a su ritmo este no se diferencia mucho al del libro. El que crea que va a ver una película de “pura acción” quítese esa idea de la cabeza. Salvo momentos específicos la película es bastante calmada pero siempre mantiene el suspenso.

    En particular, tenía ciertas críticas con respecto al tratamiento del personaje de Lisbeth en algunas escenas. Un ejemplo es la primera vez que se reúne con el abogado Bjurman; los planos que toman a ambos, para mí, debían ser primeros planos y no planos medios, como los hizo Fincher, esto con el fin de observar los cambios en las expresiones de cada uno conforme la tensión aumenta. Sin embargo, hace poco escuché por la radio a Carlos Caridad Montero, a él le parecía absolutamente acertada este tipo de tomas debido a que refleja lo distante que es Lisbeth con su entorno. Ante tal razonamiento no pude más que admitir que el plano era acertado porque ayudaba en la construcción del personaje haciéndolo distante hasta del público.

    Lo bueno: 1. El intro surrealista, acompañado por el cover de Karen O del tema Immigrant Song de Led Zeppelin, especie de video musical o video-arte con que se presentan los créditos del film. Es llamativo, desconcertante, oscuro, cautivante; 2. La actitud con que las escenas de la violación y la venganza de Lisbeth fueron hechas. Brutalidad absolutamente medida; 3.La selección del tema Orinoco Flow de Enya para la el dialogo entre Mikael y Martin. Una perla genial.


     

  13. Cegados por la Ciudad Luz, pero a media noche. Midnight in Paris (2011)

    Enamorarse de París es, y aparentemente seguirá siendo, un cliché en el que todas las personas, menos algunos parisinos, caeremos conozcamos o no la “Ciudad Luz”. París es la ciudad mas rodeada de fantasía en el mundo. Los que no hemos estado en ella, como yo, soñamos con ir a sus museos, con tomar vino en sus avenidas y perdernos en sus calles. Los que ya la han pisado desean volver para nuevamente ser embriagados por ella.
    Pues bien, Midnight in Paris (2011) es el producto de la embriagues que esta ciudad ha causado en Woody Allen, quien desde hace algunos años ha dejado de hacer de Nueva York el centro de sus producciones trasladándolas a Londres, Barcelona y ahora a París… próximamente Roma…


    La película es encantadora y creo que me quedo corto con esa palabra. Es un homenaje al romanticismo que rodea a París, a los artistas que ha paseado por sus calles, a como esta ha influido en ellos y como aun sigue influyendo en muchos otros. Esta película es un caramelo sutil, con un dulzor muy suave, nada empalagoso. Es adorable. (Aunque para algunos es algo ridícula y cansona)
    El elenco está formado por un amplio grupo de actores que en roles pequeños no destacan individualmente, pero que en conjunto dan forma a un buen film. Marion Catillar definitivamente se ve extraordinaria con el look de los años 20’ y Owen Wilson es un aceptable sustituto para Woody.


    Genialidades, la insoportable novia del protagonista y su familia, retrato estereotipado y ridiculizante de los norteamericanos conservadores; por otra parte, también tenemos la forma en que Allen finaliza el caso del investigador privado, cereza con la que corona el pastel.
    Como es obvio quedé muy complacido con este film y eso responde a que la película complace esa fantasía que, tal vez, todos hemos tenido de conocer a ciertos personajes o de vivir en otras épocas. En lo particular le robaría la vida a Richard Avedon, quien por su trabajo tuvo la oportunidad de conocer a infinidad de personajes y de vivir en una época como los 60’, en una ciudad como Nueva York.
    En fin, RE-enamórense de París y enamórense de Woody si como en mí caso no había ocurrido hasta ahora.

     

  14. ¿Quién es el hijo de Satán, el bebé de Rose Mary o el bebé de Tilda Swinton? We need to talk about Kevin (2011)

     

    Tener un hijo en mi opinión es una de las cosas para las cuales hay que estar más que preparados. Se trata de la perdida de tu libertad a favor de otro ser al que tendrás que amar “incondicionalmente” por mas difícil que este sea, por mas extraño que te parezca, por mas miedo que le puedas llegar a tener.

    Miedo, extraño, difícil, son palabras “raras” para hablar de un hijo ¿no?, sin embargo, Kevin se apropia fácilmente de esos adjetivos y con aun mas facilidad genera esa sensación, por lo menos en su madre.  

    Todas las edades del mal…

    La película cuenta a través de los flashbacks de Eva, Tilda Swinton, la incomoda y desconcertante relación con Kevin, su hijo, mientras vemos como afronta su aun mas incomodo y duro presente. Cuando eres la madre del diablo el mundo literalmente puede convertirse en un infierno, muy rojo por cierto.

    Tilda es una actriz genial, GENIAL. Su extraño y filudo rostro es el protagonista de primeros planos en los que transmite su desconcierto, teñido con un toque de miedo, ante un ser al que no entiende, un ser que le es tan difícil de leer como el clínico y limpio espacio que ocupa en su casa.

    Escenas buenas, muchas. Detalles geniales, varios. Ella en medio de la construcción para no oír el llanto del niño, ella escondiéndose tras las sopas de tomate, el dialogo sobre los gordos en el campo de golf, la carriola negra sacada, literalmente, de la película el Bebé de Rose Mary, la música (muy folk en mi opinión)  contrapunto alegre de escenas no del todo felices, etc.  


    Al final, el abrazo con el que cierra el film, por muy incomodo que parezca, nos confirma que madre es madre e hijo es hijo.

    VEANLA.


     

  15. One Day… qué bien que no fueron mas (2011)

    Anne Hathaway y Jim Sturgess; ella adorable y por lo general acertada y él, un buen recuerdo de Across the Universe. Esas son mis razones para ver esta peli sin siquiera haber visto el tráiler de la misma. 

    Es una película romántica y que recuerda a “Antes del amanecer” (1995), pero en una versión un tanto mas amplia en cuanto a tiempo (mientras que en una todo sucede en un día en la otra transcurren como 20 años).

    Es la historia de dos jóvenes que se conocen el 15 de julio de 1988 e inician una amistad que conforme avancen los años dará paso a otros sentimientos. Recorreremos junto a ellos cada 15 de julio, año tras año, sus encuentros y desencuentros hasta llegar a un desenlace que aunque no es del todo esperado, quizás por la falta de pistas, lo sientes venir.

    Los protagonistas son adecuados hasta cierto punto; Anne hace del paso del tiempo algo visible, por supuesto, con ayuda de los departamentos de vestuario y maquillaje. Su magia se encuentra en la capacidad de verse cándida y joven y luego ser toda una chica madura y elegante con un simple colorete o un corte de pelo. Por su parte Jim no tiene ese efecto, su rostro es siempre el del mismo infante juguetón y travieso, un mal del que también padece Di Caprio muy a su pesar, la eterna cara de niño.

    Nada del otro mundo… Otra película romántica un tanto tediosa y ¡YA!

    PD para los amantes de la bici: si la manejas y de paso eres mujer… te jodiste morirás atropellada!!!! lo siento, en otras circunstancias no le daría ninguna importancia a este detalle, sin embargo, últimamente las bicimamis rondan por ahí… siéntanse ofendidas por esa peli. ¿Cómo se va a morir ella y no él que es quien conduce ebrio?